赣剧《红楼梦》打出“青春版”的旗帜，组建了一支实力强盛的编创团队，以曲牌体为音乐的结构形式，以诗社为主线演绎大观园青春故事，为2022年的观众捧出一席全新的视觉盛宴。回味赣剧“青红”，它有三个显著特点。

　　一是删繁就简，妙手镕裁青春诗意的结构。编剧罗周立足于大观园诗社活动，用“结社、兴社、衰社、散社”四个点撑起这部戏的骨架，用闪回、切割、挪移、拼接等影视艺术手段，将省亲、葬花、共读、游园、醉眠、挨打、焚稿、出家等“名场面”，镶嵌在咏园、咏海棠、咏菊、咏蟹、咏柳絮等诗社活动进程之中，同时穿插黛玉的《葬花辞》《桃花行》等，重构了故事，营造了名副其实的诗意化青春氛围。“青红”虽未选取原著中可卿出殡、凤姐治家、抄检大观园等重要故事，也没有像越剧《红楼梦》那样以宝黛爱情悲剧为主体，但罗周所谓的“名场面”，在原著中与前述故事一样，都是作为小说脊梁而存在的经典情节。编剧对情节的取舍和裁剪，既符合戏曲“起承转合”的结撰规则，又凸显了“青红”讴歌诗意青春的主体倾向。同时，该剧以元妃省亲而引出众钗咏园、探春结社始，以元妃之死而导致诗社衰落、宝玉出家终，将十二钗青春生命的悲剧和贾宝玉人生道路的悲剧，置于贾氏家族由盛而衰的历史悲剧的宏大背景下展开，集中而深刻地揭示了《红楼梦》原著的三重悲剧主题及其内在的逻辑关联。这样的结构，首尾呼应、开合有致、简中见繁、约而多元，堪称高妙。

　　二是化俗入雅，彩旦彰显闺阁生命的张力。“青红”不仅在结构、人物、曲白等层面捕捉并突出了原著“雅”的元素，而且在灯光、布景、服饰、道具等舞美设计上，也达到了以简胜繁、大简至雅的境地。但在“兴社”一出，刘姥姥的滑稽身段几乎贯串始终，约占全剧的1/5时长，俗到极致，丑到极致；而正是村妪的“丑俗”，烘托了少女诗人群的“清雅”。傅惜华曾说：“余意凡一部传奇，须有滑稽之角色，穿插于中，以提起观众趣味，不致终场寂寞，方成杰作。”以导演张曼君为首的“青红”主创团队，选取并聚焦于原著刘姥姥游园这一经典桥段，起用男演员扮演彩旦，增加武戏元素，让刘姥姥斜刺里出场，在游园进程中表演醒目的“抢背”动作，以凸显其惊诧莫名之态、手舞足蹈之相、夸张怪诞之形，有横云断岭之美，又有横桥锁溪之效，不唯自身光灿耀眼，且与诗社生活的高雅情调形成绝佳的场面“对抗”，消解了“诗意化”与“戏剧性”的矛盾，由此也越发彰显出大观园闺阁诗人群体的生命张力。武戏成就“青红”，大俗遂臻大雅，以俗衬雅，俗雅浑融，正是佳境。

　　三是融杂为一，扇舞铺张悲剧主题的氛围。江西赣剧院曾邀请昆曲名家对“青红”演员作歌舞身段的强化训练，以使表演更加规范和精致，由此提升了这部红楼戏的审美格调。“青红”使用了大量的扇子功：黛玉的遮面扇，宝玉的落花扇，湘云醉眠时的卧鱼扇，配合身段与情绪，非常唯美。尤能见出匠心的是，张曼君设计以折扇为“群舞”表演道具，演出了齐整而精致的象征意味：放风筝时，群芳仰头手持合扇舞向半空，虚拟了风筝在空中起起落落的态势；荣府抄败时，众人开扇齐演“卧鱼扇”，展示了“群芳委地”的悲凄景象。黛玉“焚稿”焚的本应是诗帕，导演却灵心独运，将折扇替代了诗帕，黛玉撕毁诗扇更见动感；同时，左右各有三钗隐在黛玉后侧，以“撕扇”动作对称式应和“焚稿”场面，既意味着诗社的衰落，也象征群芳的逝去。诗社由兴到衰，意味着人文精神的失落；群芳撕扇焚稿，昭示了闺媛文化的毁灭。“青红”就是这样以扇舞与群舞，以更集体的方式，阐释了两百多年前一群闺阁知识分子的悲剧命运，凄美而深刻地揭示了“千红一哭，万艳同悲”的主题。群芳扇舞可谓大美无言，令人沉迷其间，回味无穷。

　　诗社的兴衰重构了故事，也解构了诗意与青春。“青红”以其立体化、具象化的舞台呈现，酝酿出共读、葬花、挨打、焚稿等经典桥段的饱满情绪，演绎了“家族衰败群芳碎”的主题内涵，很好地达成了以戏曲诠释文学名著、借舞台传扬经典文化的编演目标。它在托举一批年轻演员的同时，也以其精美悲凄的格调熏陶了众多年轻的观众。当然，如果“青红”能再多些水袖的群舞，服饰再多点区分度，黛玉焚稿能改在钗玉成婚同时以增强对比效果，会更具视觉冲击力，更有悲欣交集的哲学高度，而“红楼”则会更“上”了。（俞晓红）